Estado de la cuestión.

Bien, es momento de retomar mi tema de investigación. Indaguemos sobre lo que he encontrado hasta el momento:

La interpretación musical convincente es un tema al cual los músicos (pianistas) mexicanos no le damos la importancia adecuada. Recordemos que saber exactamente lo que ésta implica es lo que diferencia a un músico amateur de un profesional. 
De acuerdo a Gerhard Mantel en su libro "Interpretación: del texto al sonido" (2010) interpretar significa aclarar. "Todo individuo puede aclarar una cosa únicamente como él mismo la entiende." Y, apelando a la experiencia general, cuando algo no se nos es explicado correctamente, no entendemos. Y si no entendemos, nos aburrimos. Pues bien, ¿qué se hace para no aburrir a tu audiencia? según el mismo autor en otro capitulo, el músico logra una interpretación emocionante y conmovedora cuando está perfectamente consciente de "la variación, contraste, irregularidad, la sorpresa y la nitidez de la estructura, del fraseo, de la articulación, y en ello todos los planos acústicos y musicales que de algún modo inciden en la música." Cada uno de estos aspectos es tratado por separado y a profundidad en las siguientes 200 páginas de este libro. No lo menciona en el párrafo, pero también trata otros aspectos como los movimientos corporales, los gestos y la atracción personal además de otros características psicológicos como la imaginación, la proyección y el "flow". Al ser una obra tan completa y tan actual, la considero una obra paradigmática de mi tema de investigación. 

Hay que estar conscientes de que en este tema  son valiosísimas las opiniones de pianistas famosos ya que su éxito fue causado por una técnica impecable y una interpretación convincente (en el mundo de la música clásica, la fama sí equivale al talento y la dedicación).  Si bien son pianistas del siglo pasado, fueron realmente exitosos en el desarrollo de una técnica pianistíca y cualquier músico profesional conoce el valor de este conocimiento. He encontrado un montón de información sobre el ataque más adecuado y generalmente más aceptado entre la mayoría de los pianistas de éxito: la técnica de peso.  Personajes de la talla de Ignacy Jan Paderewski, Ferrucio Busoni, Theresa Carreño avalan tal técnica en entrevistas que aparecen en el libro "Piano Mastery" de Harriette Brower. Además debe existir la relajación completa de los músculos donde no exista la "tensión" tan perjudicial para cualquier pianista. El ataque al piano se efectua con todo el cuerpo para lograr un sonido "amplio, fuerte pero cálido y redondo".  Sin embargo existen otros músicos como Ethel Leginska y Tina Lerner que creen que la manera de lograr un buen toque es con el ejercicio individualizado de cada dedo, ya que es la única manera -según ellas- de lograr un sonido claro y preciso. Esto lo aseguran a pesar de las acusaciones  de los defensores de la técnica del peso, quienes argumentan que tal manera de ejercitar los dedos por separado produce un sonido mecánico y resulta poco eficiente para desarrollar el virtuosismo.

Existen otras obras monumentales que encontré, y a pesar de que solo he ojeado algunos capítulos, lucen muy esclarecedores. Uno de ellos es "The Art of Piano Playing: a scientific approach" de George Kochevitsky. Jamás había visto reunida tanta información desde la época de Bach, pasando por los románticos como Schumann y el supervirtuoso Liszt, hasta llegar a los intérpretes más contemporáneos. Hay opiniones muy interesantes como por ejemplo la de Franz Liszt que dice que no se debe enseñar técnica en absoluto y que el estudiante debe encontrar por sí mismo "la manera propia de llegar al sonido y los resultados musicales que él desea." Yo creo que es fácil decirlo cuando se es probablemente el pianista más virtuoso de todos los tiempos. O por ejemplo la del eminente pianista Arthur Rubinstein que sugiere a los estudiantes de piano escuchar mucho a los cantantes y de igual amnera saber cantar. Ya que sólo cuando nuestro oido sabe lo que es "cantar", podremos reproducir un sonido cantabile en el piano. Ese es el que "derrite el corazón de la audiencia". En este aspecto otros pianistas prominentes como F. Chopin -quien estaba obsesionado con el canto femenino- o Robert Schumann concuerdan completamente. También empecé a leer un libro "The art and interpretation of Pablo Casals" de Brown. Éste me fue recomendado por mi maestra de piano con la promesa de que cambiaría mu vida. Por lo que veo el enfoque es más filosófico, sin embargo no deja de atraer mi atención por la calidad de las reflexiones acerca de la música y el arte en general.

También he descubierto que, incluso en el pianismo actual, todos consideran importantísimo la práctica lenta y consciente. En todas las escuelas de técnica (la alemana, la rusa y la francesa) este es un elemento en  común. Todos los estudiantes de piano queremos escuchar las piezas que estamos aprendiendo casi inmediatamente, así que al primer indicio de que podemos tocar la música a una velocidad adecuada, perdemos el control y comenzamos a tocar literalmente decenas de veces ese pasaje a esa velocidad emocionante...sin darnos cuenta que nuestra mente consciente y analítica está completamente ausente. Si queremos que la música que tocamos realmente se vuelva nuestra debemos optar por otros métodos, tal como lo menciona Walter Gieseking y Karl Leimer. Ellos son los autores de un libro titulado"La moderna ejecución pianística" que aparentemente es una obra clave en el tema. En esta obra se abordan elementos tales como la interpretación de las invenciones de J.S. Bach y la correcta ejecución de algunos otros problemas musicales como los acordes quebrados, los trinos, las escalas y la tranquilidad del movimiento. 

Pero lo más relevante es que menciona por primera vez la práctica mental. Este es un concepto del cual yo no tenía idea pero acabo de descubrir la importancia de este descubrimiento. Resulta que hay quienes proclaman que la manera más infalible y eficaz para aprender una nueva pieza sin tropezones es tocándola lejos del piano ¿cómo? En tu mente. Imaginando los sonidos, la presión y la velocidad con que tus dedos se moverían sobre las teclas. Cuando seas capaz de tocar de memoria amabas manos juntas y por separado en tu mente, transportarla al piano sera una orden de tu cerebro que será ejecutada casi instantáneamente por tus dedos. Sólo será cuestión de una pequeña sesión de práctica y la pieza quedará consolidada, y lo mejor de todo sin memory black-outs. Adicionalmente, los nervios antes de las presentaciones disminuyen considerablemente ya que sientes una plena seguridad de lo que vas a interpretar. Esa información la obtuve de un libro titulado "Music in your head: mental practice, how to memorize piano music." (2011) por Francois L. Richard. Y por si fuera poco, en este libro hace muchísimas referencias a la obra de Gieseking que había consultado anteriormente. Al parecer empiezo a descubrir cierto hilo entre toda esta maraña de información. También cabe mencionar que esta forma de "práctica mental" es llevada a cabo por concertistas como Helene Grimaud y András Schiff, cuya carrera concertística es realmente exitosa. Y de hecho si nos dirigimos a este artículo realizado por la McGill University y la Ohio State University llamado "Effects of Auditory and Motor Mental Practice in Memorized Piano Performance" comprobaremos que las ventajas de este tipo de entrenamiento superan a las de la simple repetición físico-motora incesante y cansada. 

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Hablemos ahora de lo que se conoce en inglés como Music Performance Anxiety. Este hecho representa uno de los mayores conflictos para la mayoría de los músicos de todas edades. 

Una idea interesante es la que aparece en un artículo de la Musical Educators Journal titulado "Reducing Anxiety: Studio Strategies for Performing Salvation" en el que afirma que las causas principales de esta "ansiedad ante el público" es una negligencia por parte de los maestros y la mayor parte de las instituciones musicales en la manera de enseñar. Casi siempre se cultiva la inseguridad en el estudiante debido a "una imposición interpretativa por parte el docente" y si esa interpretación no es lograda por el alumno se le juzga como incompetente. Un método para lograr disminuir esta ansiedad es por medio de una enseñanza colaborativa en el que el alumno también exprese sus opiniones respecto a "cómo debería tocarse determinado fragmento y por qué." También menciona que, al igual que para los grandes atletas, la capacidad de imaginar ayuda mucho a los músicos. Se ha probado que los alumnos que se imaginan  detalladamente teniendo éxito en una presentación, logran disminuir su ansiedad significativamente y el público lo percibe. 
Es importante buscar nuevos métodos para intentar disminuir este "miedo escénico" ya que, según reporta el estudio de Brenda Wristen de la Universidad de Nebraska, "el alto grado incidencia de casos de depresión y ansiedad en estudiantes de música [de la U. de Nebraska] es alarmante." 

A pesar de que estoy de acuerdo en querer eliminar esa ansiedad ante el público como músico - lo he experimentado - existe una idea muy interesante que descubrí gracias al blog del célebre profesor de la Juilliard School of Music llamado Noa Kagayema en el que habla de que el estrés puede ser benéfico y todo este tiempo lo hemos estigmatizado. Él adoptó tal idea después de escuchar la reveladora conferencia de Kelly McGonigal "How to make stress your friend." 
Es increíble como ella prueba científicamente que el estrés afecta negativamente el organismo humano sólo si nosotros creemos que nos hará daño. Cuando lo tomamos como algo positivo, es un  boost de energía grandioso. Es la forma que tu cuerpo tiene para decirte "vamos, podemos lograr este reto y más." Encontré el link en Youtube para que juzguen por ustedes mismos. 







Esto es lo que considero que ha sido más útil en mi investigación (y en mi manera de dirigirme al piano) hasta el momento. He leído otros artículos y hojeado muchos más libros - realmente, soy un geek de mi instrumento- pero los hallazgos que mencioné arriba son los que creo que contienen la información más nueva y valiosa. 

¡ Ahora sí noto que mi conocimiento se incrementa! 

Tenía que decirlo.

La música clásica. Todos han escuchado de ella, pero que poco se conoce realmente. Siempre he pensado que si se apreciara profundamente, casi cualquier otro estilo de música actual pasaría a segundo plano. No deben hacerme mucho caso o tomarme muy enserio, esta es una de las fantasías que provienen de mi mundo ideal que nada concuerda con el de otras personas y admito que tienen sus razones justas y muy razonables. Pero yo también tengo las mías. Y eso me basta porque en este texto no buscaré complacer a nadie. Toda la vida he buscado hacer felices a los demás. Quiero empezar a darle su justo espacio, valor y cuidado a las ideas y sentimientos propios. Nosotros mismos somos en ocasiones el amigo más desconocido. Y además el más oprimido por nuestras propias concepciones de lo que es correcto decir o hacer.

Últimamente me he dado cuenta que la mayor parte de la música popular actual no me atrae en lo absoluto.  No soy el típico estudiante de música que quiere lucir interesante y reniega de todo lo que escucha. Simplemente la música producida en estos días me aburre. Me aburre mucho por su monotonía. Raramente escucho algo interesante: las dinámicas nunca cambian, el ritmo es totalmente predecible y casi "estandar", las exigencias técnicas de los ejecutantes se reducen al mínimo y el objetivo primordial es entretener a las masas con música que no invita ni de la manera más remota a la reflexión. Yo la veo parecida a la comida chatarra. Digerible y buena para pasar el rato sin realmente aportar nada nutritivo. Pero se vende que da miedo. 

¿Alguien sabe que pasó con el arte? La función del arte en los seres humanos es enaltecer el alma. Refinar nuestros sentidos y guiarnos a través de lo que es bello y noble. Cuando las personas están en contacto con el genuino arte musical, rechazan todo lo que es atroz y violento. De esa manera la sociedad  evoluciona y la paz y el entendimiento encuentran un lugar donde reposar. Hoy en día tenemos a nuestro alcance los medios masivos de información. ¡Nunca antes había sido posible difundir el arte entre tal cantidad de personas! Y sin embargo a las cadena de información importantes les importa un comino.  Yo tengo la firme creencia, como L. v. Beethoven, de que si exponemos a una sociedad constantemente a la música - la verdadera, la que exalta el alma-, ésta sólo puede cambiar en pos de la armonía.

Lo que acabo de escribir lo puede contradecir o ridiculizar cualquiera. Y estoy de acuerdo con eso. Sin embargo yo me quedo con mi música. Esa que ha moldeado mi vida y la que más disfruto. Eso es un hecho contundente. 

Y, afortunada o desafortunadamente, no es probable que cambie de opinión. 

Veamos que ofrece el Wiki-Mundo.

Últimamente decidí dedicarme a sondear aquella oscura y pagana base de datos que se ha convertido en el ejemplo más citado de información inútil por todos los maestros desde la secundaria hasta la universidad. Exacto, la controversial Wikipedia: esta enorme enciclopedia virtual que aparentemente todos pueden editar y es gratis para cualquier individuo en el cosmos que tenga acceso a internet. ¿Es realmente tan indigna como se le tiene catalogada? .

Según explicó en la universidad un trabajador de Wikipedia, ésta sirve como un first-approach hacia lo que estés investigando. Es decir, que por ningún motivo deberías usarla como fuente primordial de información en una investigación sino como un primer acercamiento para descubrir las generalidades del tema y con base en eso poder comenzar la búsqueda profunda y detallada en otras fuentes académicamente aceptables. O sea, los maestros tienen razón.

Yo entré a Wikipedia para curiosear que había de útil para mi tema de Interpretación y Técnica pianística y aquí les comparto mis resultados:

Para que un músico logre una interpretación convincente de cualquier pieza es imprescindible conocer al compositor, sus circunstancias y la corriente estilística (barroco, clásico, romántico, impresionismo, siglo XX, etc) . Mientras más puedas hablar de una pieza que vas a ejecutar, es mejor. ¡Y en este aspecto descubrí que la Wikipedia está repleta de información! Las biografías de los músicos más representativos es bastante completa, hay artículos que tratan cada periodo histórico musical y hay una cantidad innumerable de links externos para que puedas descubrir siempre más.

Ahora, no todo en mi tema es conocer compositores o estilos. Posterior a esto, era momento de buscar lo que concierne a técnica pianística e interpretación. Bueno, el primer paso lógico que se me ocurrió fue buscar el concepto de Interpretación Musical...no existe absolutamente nada de información. Me decepcionó un poco ya que es un tema bastante amplio y demuestra que a los músicos que hablamos español no les interesa o, aún más trágico, no están enterados del concepto de manera formal. De cualquier manera, el siguiente paso fue buscar el mismo artículo en la Wikipedia en inglés.¡Sorpresa! Te traje una caja con aire. Tampoco existe un artículo como tal que trate el tema. Lo cual considero bastante extraño desde que los avances más grandes en el mejoramiento de la técnica instrumental vienen de Estados Unidos. En fin, como último intento probé con la Wikipedia en alemán, ya que es el otro idioma que entiendo con fluidez. ¿Tuve éxito? Rotundo. Hay una entrada extensísima del tema. Incluyendo una lista de los libros más relevantes e influyentes y hasta una historia de la interpretación como profesión y arte. Me emocioné tanto que le tomé una foto:

Tampoco existe ni una sola entrada que hable de los diferentes tipos de ataque en el piano: el rolling, la presión, el stroke, el swing, caída libre desde el hombro, etc. Nada. También busqué a uno de los pedagogos musicales más famosos del siglo pasado que fue mentor de muchos pianistas muy afamados hoy en día. Se llama Theodor Leschitizky. Fue una figura prominente del piano y el artículo sobre él es entristecedor por la poca calidad y cantidad de información que proporcionan. Tampoco encontré, más allá de citas o referencias, algún artículo que trate las diferencias o similitudes entre las diversas escuelas, que han sido históricamente las más importantes, y sus métodos en la manera de tocar el piano: la escuela francesa, la escuela alemana-vienesa, y la escuela rusa.

Si hablamos de un lado bueno es que descubrí un artículo muy amplio y esclarecedor de la "Pedagogía Pianística." Además de que, en la lista de véase más de esta entrada, me topé con un libro muy prometedor de un profesor llamado Alberto Jonás llamado "Modern School of Piano Playing and Virtuosity." Lo buscaré. A ver si es posible descargarlo gratuitamente en PDF.

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Considero que esto es lo más relevante de mi búsqueda. Sinceramente estoy decepcionado de Wikipedia y su poco acervo en relación a mi tema. No era que hubiera esperado mucho desde el principio, pero tampoco pensé que la información fuera tan vaga. Si algún día me lo permite mi tiempo (mis materias, el servicio becario y un concurso de piano en el que planeo participar me traen loco) crearé artículos en español para de esa manera contribuir en vez de quejarme. Pero por el momento no me es posible, y no me queda otro remedio que seguir apoyando la idea de que Wikipedia es una fuente poco confiable de información y solo sirve para un "vistazo de rápido". Después de eso, huye a tu biblioteca más cercana.

Información para el profesor: Mi usuario de Wikipedia es Richie_Gal

Análisis bloggero

Después de nuestra exploración a través de los blogs de nuestros compañeros, les daremos a conocer nuestras conclusiones a continuación. 

Lo que se refiere al estilo de escritura, el blog que posee un lenguaje particularmente sofisticado es el de Jorge. Incluso en las entradas que relatan experiencias no relacionadas al tema se nota esta característica. Y al mismo tiempo hace uso de estrategias para que el lector no se aburra. Un esfuerzo por eliminar la pesadez del estilo está presente.  Otro estilo que nos pareció interesante fue el de Cynthia. Ella tiene cierto talento para divulgar información. Lleva al lector paso por paso a través del tema y creemos que hay una cierta frescura en su manera manera de compartir el conocimiento. 

En cuanto a Mayra podemos decir es simple y a la vez compleja. Una manera (al igual que los demás) muy natural, pero con la peculiaridad de que se toma más libertades a la hora de escribir. Toma un poco más de riesgos en su estilo. Por ejemplo, no te dice qué es lo que va a hacer, sin embargo después de leer un poco lo descubres por ti mismo. En cuanto a su información; es bastante específica, pero antes de profundizar más, advierte que va a ir de poco en poco explicando su tema conforme pasen las entradas.

Si hablamos del compromiso con el blog, pensamos que uno de los mejores es el de Cynthia porque sin utilizar expresiones como “qué interesante” o “me encanta este tema”, te hace sentir su interés, te hace sentir sus ganas de saber, de conocer y de investigar y además aunque tengamos diferentes licenciaturas o diferentes áreas de interés, te involucra con el asperger.

Por otro lado, el blog de Jorge es especial. Se nota que está “casado” con su tema. Definitivamente se siente atraído y le gusta investigar. Una de las manera en la que nos dimos cuenta fue porque se ayuda y se apoya en elementos como videos, comparaciones con cosas cotidianas etc. Todas estas herramientas ayudan al lector a interesarse y entretenerse con su manera de escribir y con el material que nos proporciona.

En conclusión, creemos que existe un gran potencial en nuestros compañeros. Pudimos observar que hay blogs muy interesantes, aunque en algunos casos podrían haber cuidado mejor la redacción para plasmar de una manera más convincente y estructurada sus ideas.

EBSCO: Otra pieza que completará el camino.

A medida que el tiempo corre, y mi perspectiva de la vida termina de consolidarse, estoy cada vez más seguro que, si uno tiene un plan determinado y firme, las herramientas y las respuestas siempre son provistas. Mi ideal desde hace algunos años ha sido entender la música, su creación y sus efectos, de una manera más profunda e intelectual. Probablemente gracias a que, cuando tenía alrededor de 15 años y contaba con habilidades precoces para el piano, en mi vida comenzó a gestarse una interrogante de carácter existencial:

 Yo puedo tocar algunas piezas, sin errores, que grandes pianistas también interpretan en conciertos. Entonces, ¿por qué lo que ellos tocan se escucha tan diferente si son las mismas notas? Es obvio, por mi experiencia personal, que la respuesta no yace en el virtuosismo físico. Quizá la vida es muy injusta y ellos simplemente poseen "talento divino" que no puede ser explicado. ¿Qué es eso que hace su toque tan especial?¿Lo aprendieron alguna vez?

"Cuando el discípulo está listo para aprender, llegan a él los labios de la sabiduría..."

Hace ya tres o cuatro años que consideré estas preguntas muy seriamente, y cuando me hallaba más ansioso por una respuesta, un profesor de Historia de la Música en el Conservatorio nos habló en clase de un concepto revelador: la interpretación musical. Este término incluye los movimientos corporales adecuados, la imaginación del intérprete, el análisis estructural de una pieza, las condiciones óptimas para la práctica, el performance y muchos otros elementos requeridos para producir una música expresiva. Una música que estimule la sensibilidad del oyente, que sea convincente y conmovedora: que tenga vida. 

Nos recomendó un libro: "Interpretación: del texto al sonido" por Gerard Mantel. Un libro de 300 páginas que prometía mucho. Esa misma tarde fui a adquirir el libro, que no había en Puebla, pero hice traer desde el D.F. Cuando lo tuve en mis manos, todo mi panorama se abrió como si hubieran sido dos ventanas que dejaron entrar finalmente el aire fresco y te permiten ver el paisaje completo. ¡Jamás hubiera pensado la cantidad de cosas que un músico exitoso debe aprender para hacer música! Ahora eso de la "inspiración divina" lucía hasta infantil. Ese toque tan especial se consigue, con inteligencia y tenacidad, trabajando en pequeñísimos detalles que son los que determinan la calidad de un músico. Al menos en el mundo tan riguroso, exigente, refinado pero muy apasionante de la música académica o "clásica".

Ya sabía que es lo que necesitaba, sin embargo, ese libro fue escrito por un violoncellista y sus ejemplos resultaban muy poco prácticos para un pianista. Necesitaba alguien que me enseñara, pero ¿quién? La sorpresa fue que ese mismo año llegó una nueva maestra al conservatorio llamada Skirmante Kezyte. Tuve muy buenas referencias de ella y mi intuición me dijo que ella debía ser mi maestra; que ella poseía muchos secretos. La maestra proviene de Lituania pero estudió en Estados Unidos (nunca le pregunté como fue que la vida la trajo a México). En fin: me interesó, hablé con ella, toqué algunas piezas y me aceptó como alumno.Y bueno, para hacerlo corto: la maestra Skirma me introdujo el concepto de sonoridad llena y con volumen de las teclas, de como hacer que el piano "cante", me habló del gran impacto de la imaginación y la cultura de un músico en su arte y, entre los dos, mejoramos mi técnica y musicalidad casi desde raíz. Fueron alrededor de 3 años de trabajo realmente duro, pero valió la pena infinitamente. Agradezco que llegara en el momento adecuado.

Salón de estudio en la Universidad.

A partir de estas experiencias me volví mucho más exigente conmigo mismo y mi perspectiva hacia el arte de hacer música dio un salto continental. Además, y diferencia de muchos otros músicos que he conocido, ya no considero como talento el poder tocar notas rapidísimas sin equivocarse. Me convencí, por haberlo vivido, de que saber las notas es apenas la base para empezar el verdadero trabajo. Para comenzar con la música. A como pasa el tiempo, he estado buscando información  que enriquezca mi conocimiento de técnica e interpretación musical. ¿Para qué? Para hacerle justicia a la grandeza de este arte. Merece ser tratada con seriedad, profesionalismo y, sobretodo, amor.

Un gran avance que tuve en mi búsqueda fue cuando descubrí la sección dedicada a mi carrera en la biblioteca. ¡Es todo un mundo nuevo de conocimientos! Ya he rentado algunos libros que siguen abriendo mis ojos. Otro punto a favor de mis intereses, es que mi actual maestra de piano, Misa Ito, es una figura prominente en el piano. Goza de gran fama y reputación entre los círculos artísticos de la ciudad y hasta del país. De ella he aprendido bastante de los diferentes estilos musicales y sus particularidades. La tendencia hacia la calidad musical que llevaba con la maestra Skirma no se vio truncada de ningún modo. Ahora que entré a la Universidad tenía miedo de quedarme estancado y no poder encontrar más medios para mi crecimiento profesional. Sin embargo, en el mes que llevo estudiando aquí, veo cuan equivocado estaba. 

EBSCO como otro escalón hacia el crecimiento que persigo.

¿Era tan necesaria la historia que acabo de relatar? No lo sé. Pero ciertamente tampoco está de más haberla contado. Necesitaba un contexto para que comprendieran el impacto que tuvo sobre mí el descubrimiento con el que me topé la semana pasada. Se trata probablemente de una de las plataformas académicas digitales más potentes del mundo. Mi Universidad paga mucho dinero al año, para que los estudiantes tengamos acceso a esta gigantesca base de datos, que es utilizada también por muchas de las Universidades más prestigiosas del planeta. Estoy hablando de EBSCO. 

ESCO contiene millares de artículos de todo tipo acerca de cualquier rama de conocimiento humano. Me atrevería a decir que contiene el saber científico y académico que la humanidad a producido y sigue produciendo a través de los años. Es...hermoso e inspirador. Sinceramente tenía poca fé para encontrar algo relacionado a mi carrera, pero después de explorar un poco los intrincados filtros de búsqueda, no me decepcioné en lo absoluto. ¡Hay muchísima información útil y novedosa para los músicos y artistas en general! 

El sitio te da la oportunidad de  crear una cuenta y almacenar los artículos que te interese en un Folder Personal. Hablemos de agunos archivos que guardé en este folder y que el fin de semana leeré con mayor detenimiento. Primero, encontré una entrevista al  muy célebre pianista mexicano Jorge Federico Osorio. Cuenta de cómo es la vida para un pianista profesional y devela algunas de sus técnicas de concentración, estudio e interpretación que aprendió de muy diversos profesores de todo el mundo. De igual manera me interesó mucho otro artículo  que trata de cómo "Desarrollar la técnica y convertirla en musicalidad". Proviene de la American Music Teacher's Magazine y, de acuerdo al resumen, promete mucho. Otro texto incrementó la estima que le tengo al piano y cambió mi perspectiva, ya que es un estudio científico en el que se concluye que, cuando existen ensambles que contienen un piano y cualquier otro instrumento, la expresividad general del grupo percibida por la audiencia depende directamente de la expresión del pianista. ¡Tanto los otros instrumentistas solistas y los oyentes pueden percibir claramente si el pianista está tocando con cierto grado de emoción cómo si no lo está haciendo! Eso demuestra que la creencia generalizada de que el piano en los ensambles funge como simple acompañamiento, como "melodía de fondo",  mientras el papel protagónico pertenece a los otros instrumentistas, es falso. El piano carga también con una gran responsabilidad en el plano emocional de la música.

Para finalizar.

Por razones de extensión, debo parar con los ejemplos. Esto es únicamente una pequeña muestra de las joyas que se pueden encontrar en EBSCO. Seguiré con la exploración de esta web que aparentemente consultaré por el resto de la vida. En primera, por la información y en segunda, porque me es posible. Gracias a este sitio, publicaré, tan periódicamente como me permitan mis deberes académicos, información relevante y actual para ustedes, colegas músicos que aspiran a un mayor entendimiento de su profesión. 

Este tipo de sucesos no hacen más que comprobar que la terquedad y curiosidad insaciable conducen al camino que buscas. Todo es una cuestión de paciencia, convicción y, en su momento, decisión de hierro. 

¡Saludos a todos!

¿Cada tonalidad tiene su propia personalidad?

"Cada tonalidad musical puede ser algo así como un signo del zodiaco..."

Hola a todos. 

Esta vez escribiré sobre un hallazgo peculiar en la red. Estaba navegando por el famoso sitio StumbleUpon, que por cierto puede llegar a ser muy entretenido- ok, adictivo- y encontré una página con algo parecido a podcasts, en los que se describe de una manera realmente original, amena y muy emocionante una posible personalidad de cada una de las tonalidades mayores y menores que existen en la música tonal occidental. Para quienes no estudian música: ¿Qué es la música tonal occidental? En resumen., probablemente toda la música que has escuchado. Desde Mozart hasta Lady Gaga. Cada pieza está escrita siguiendo ciertos patrones melódicos y armónicos (en total existen 24) que tienen un funcionamiento similar entre ellos, pero la diferencia en el color del sonido es totalmente perceptible para cualquier persona. Se dividen en tonalidades mayores y menores; a grandes rasgos, las primeras de carácter más alegre y las segundas de carácter más sombrío. En fin, necesitaría toda una cátedra para explicar los pormenores de lo que significa la tonalidad, así que pueden investigar ustedes mismo dando clic AQUÍ.( Sí, wikipedia aún tiene la información más completa del tema jaja)

Los estudiantes de música estamos plenamente conscientes de la gran diferencia entre , por ejemplo, Re Mayor y La bemol Mayor; "¡obvio son completamente diferentes, hasta en la partitura es visible!" decimos todos, sin embargo la mayoría de nosotros no podríamos decir en que radica concretamente esa tan evidente diferencia. Divertido, ¿no? casi siempre, lo que tenemos frente a nuestros ojos y damos siempre por hecho, es lo que representa los mayores misterios...

Pues bien, este personaje británico llamado Paolo Pietropaolo conduce un proyecto de radio llamado "The Signature Series". En estos archivos de sonido, con excelentísima calidad de audio, se reúnen muchas piezas muy célebres del repertorio occidental escritas en determinada tonalidad mientras Paolo, con su cautivadora voz llena de matices, habla de las características de cada tonalidad de manera poética y divertida como si describiera la personalidad de alguien.

Por supuesto que no existe forma "objetiva, científica y cuadrada" de comprobar las afirmaciones en sus descripciones. Tampoco hace falta que las creamos, pero si somos capaces de conectar lo que él está diciendo con la música que escuchamos, notaremos que sí puede existir una relación. El arte me gusta porque se puede analizar tanto desde un punto de vista técnico, puramente intelectual y desde nuestra sensibilidad humana natural; ese enfoque que los círculos científicos actuales tienen en tan bajísima estima.

En fin, este no es el post para desahogar mi frustración acerco del hecho que los artistas desprecian el enfoque científico y los científicos desprecian el enfoque sensible artístico. Por suerte encontré un libro en la biblio llamado "The Element of Fire" de Brian O'Heary en el que habla justamente de estas dos perspectivas de la realidad como complementarias y necesarias ambas para la supervivencia y el intelecto humano. Lo leeré y les reseñaré que cosas interesantes tiene por decir.

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Ahora sí, aquí hay algunos ejemplos de este inspirador proyecto. Creo que este tipo de cosas son realmente estimulantes para la creatividad y la imaginación de cualquier persona. Además son una fuente de inspiración MAGNÍFICA para mis colegas músicos, ejecutantes y compositores.

pd.- están en inglés, pero tiene una dicción fenomenal y el ritmo es pausado, muy claro.

Enjoy, my friends.

Re bemol Mayor: A dreamer that sings quietly to herself, loves poetry and rainy afternoons. You may think she's smiling at you, but the truth is you will never really know.

La menor:  a conflicted spirit, she was beautiful back in her days and she cannot get over it. Loneliness and anger is her companion.

 Sol mayor: he is the nicest guy you'll ever meet. What he lacks in intellect he makes up for with his optimism. With him it's never about ego.

Do menor: He knows he is a genius and does not care being a loner. He has more profound thoughts to care about than human relationships. But, secretly, he desires to be loved.

Mi mayor : He is a happy man who still enjoys simple things in live. Energetic and handsome with a noble heart. And the best thing: he never lost touch with the child inside!

 -Terminemos con dos opuestas -

Re menor   She is beautiful, cold and mysterious like ice. People tend to cry whe they listen to her story. She has been betrayed by everyone she once loved. The hell has no fury like D minor.

Re Mayor: She is joyful by nature and brings enthusiasm into every room she walks in. She is succesful and everyone is happy about it because she is very likeable.

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Hay muchísimas más descripciones, pero decidí compartir estas que son mis favoritas. La que se lleva el premio mayor en mi caso es Re bemol Mayor (la primera), es la tonalidad más recurrente en mi repertorio; siempre me ha encantado inconscientemente.

Si quieren ver el listado completo de tonalidades, vayan al apartado de mi blog "Yo lo llamo entretenimiento cultural" y den click en la opción de "¿Y si te digo que cada tonalidad tiene su propia alma?". Este link los dirigirá al sitio principal y podrán escoger que escuchar de entre toda la lista.

Creo que es todo por ahora. ¡Nos seguimos leyendo pronto!

Richie

Entrevista a una personalidad del piano en mi ciudad.

¿Cómo les va?

Esta vez les relataré mi experiencia al entrevistar a la Dra. Misa Ito, profesora de tiempo completo en mi Universidad y también mi nueva maestra de piano. Fue un proceso sin complicaciones excesivas y las respuestas, apesar de ser cortas y muy concisas, enriquecieron enormemente mi visión de un tema que me apasiona bastante: la correcta técnica pianística. Veamos como se llevó a cabo todo esto.

Lo primero que llama la atención al aproximarse a la maestra Misa Ito con una mirada interrogante, es la gran atención que muestra desde que haces contacto con ella. Abre sus ojos, expectante, y escucha atenta cada palabra de lo que tienes que decir. Le mencioné que necesitaba hacerle una entrevista para un trabajo de investigación que estoy haciendo en el que requiero la opinión y el saber de un experto en mi área de estudio.¡Y ella accedió con mucho gusto! (literalmente, lanzó una de esas brillantes sonrisas tan suyas y dijo que le parecía un tema MUY interesante) sin embargo, expresó que no disponía de tiempo suficiente para una entrevista personal, pero me dijo que le enviara las preguntas por mail y ella se encargaría de responderlas ese mismo día.

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Pues bien, ¿quién es Misa Ito? En corto: es una pianista originaria de Japón. En ese país comenzó sus estudios musicales y realizó varias presentaciones como solista con dos orquestas japonesas. Posteriormente hizo su licenciatura, maestría y doctorado en reconocidas Universidades de Estados Unidos donde fue discípula de importantes maestros (más abajo mencionaré a algunos). Ahora encontró en Puebla, México una fuente de desarrollo profesional y ha fundado también aquí su vida familiar. Está establecida permanentemente en esta ciudad y en mi Universidad también (.m por lo cual estoy profundamente agradecido).

Comencé preguntando si su pasión musical había sido inspirada por sus padres, o si había nacido de ella sola o cómo. Y bueno, la respuesta que me dio fue increíblemente reveladora. ¡Jamás pensé que hubiera un país donde se le diera un lugar tan grande a la educación musical!

Por favor, vean esta respuesta:

"Mi abuelo tocaba violín, pero no me tocó verlo tocar.  Mi papá tenía  un órgano en la casa.  En Japón todas las escuelas (incluyendo kínder), privadas y públicas tienen un piano en cada salón (no nada más el salón de música), y cada 3 años los cambian por nuevos,  todos (más que casi) los niños toman clase de piano o cuerdas, algunos alientos.  En la TV hay programas de música, hay clases (ó lecciones) de instrumentos en vivo en TV, los conciertos de orquestas siempre pasan por TV.  En las clases de música de las escuelas primarias, secundarias, nos enseñan a cantar (cantar de verdad).  Tomar clase de órgano y piano era algo normal (cosas de todos los días) para mí."

No sé ustedes, pero hasta mi pulso cardiaco aumentó por la emoción de conocer tal información. Fue todo un "Faith in humanity restored". Impactante el gran abismo que existe entre la nación japonesa y la mexicana ¿no? Sigamos con las demás preguntas.

Hice algunas preguntas algo más personales acerca de sus obras y pianistas favoritos, para después llegar a cuestiones más técnicas.

Lo primero que yo quería saber, es si existen diferentes 'escuelas' de técnica e interpretación pianística. De acuerdo a la maestra, por supuesto que las hay: la escuela rusa, la escuela alemana y la escuela francesa. Ella mencionó que su aproximación al repertorio y la interpretación está influenciado grandemente por la escuela vienesa/alemana ya que dos de sus maestros fueron discípulos del gran pianista Rudolf Serkin. (me encuentro contento de seguir tan buenos pasos jaja). 

Por cierto, ella no escribió características específicas de cada escuela, por lo que yo me di a la tarea de averiguar. El resultado que más llamó mi atención fue este artículo: Tendencies of piano interpretation in the twentieth century. Fue un documento presentado en la International Symposium of Performance Science (ni tenía idea que existía alguna asociación de esa naturaleza). La autora hace un análisis comparativo de las escuelas y proporciona información muy relevante para el músico interesado. Es realmente fascinante lo que uno descubre en Internet. 

La maestra mencionó que uno de los problemas que aqueja mayormente a los estudiantes de piano mexicanos, es que quieren siempre "presumir su habilidad" hacer "show off". Y tiene razón, lo he vivido, hay quienes solo tocan notas con ritmo...no música. Tocar música respetable, convincente y conmovedora en un piano requiere gran capacidad de análisis teórico, familiarizarse y tomar cariño a cada frase, tararear los motivos mientras se camina con el ritmo, encontrar la técnica adecuada para que se escuche tan bello como lo que escuchas en tu mente, muchísima práctica eficiente (en otra entrada ya trataré eso)...en fin, es todo un proceso.Y lo confieso, yo solía tocar notas con ritmo todavía hasta los 15 años. Y ahora que me doy cuenta, he descubierto lo dañino que puede ser el estudio superficial y mecánico de un instrumento cuando uno aspira a ser profesional.

Por último, mi simpática entrevistada compartió conmigo algunas obras literarias que, de acuerdo a ella, me serán de gran utilidad para profundizar mi conocimiento del arte musical. Ahora yo los comparto con ustedes: 

-Harold Schonberg: The great pianists

-Arthur Schnabel: My life and Music

-Arthur Rubinstein: My many years

-Blum: The art and interpretation of Pablo Casals 

Me dijo que ese último libro, que trata de Casals, "cambiará mi vida". La verdad me dio muchísima curiosidad y después de buscar y buscar por internet, ¡encontré un Preview de esta joya! aquí se los dejo. Se supone que no es el libro completo, pero hasta donde voy, el texto está intacto (clicken el nombre):
The Art of Interpretation - Casals. 

Creo que eso es todo con relación a la entrevista. 

He estado muy presionado por que es un periodo de exámenes parciales en la universidad, pero tengo planeado subir más entradas con mucho material interesante con el que me he topado y que deseo compartir. ¡Vamos Cronos, dame más tiempo para así poder terminar todo lo que debo hacer!

Muchos saludos, nos seguimos leyendo.